ARTEMINA: Catálogo Kandinsky

domingo, 13 de abril de 2008

Catálogo Kandinsky

"Es bello lo que procede de una necesidad interna del alma"

█

█ Obras de valor un poco más elevado al resto de las obras del autor, por complejidad y colores.

█ Obras de categoría especial / Valor mas elevado.

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2. Copia la obra que elegis para que reproduzca y enviala adjuntada a artemina@live.com.ar

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Los Pintores...

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.

Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería su marchante por siempre, Daniel-Henry Kahnweiler.

Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo.

A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.

Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.

En 1935 nacería una hija, Maya, de una nueva relación sentimental, Marie-Therèse, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.

El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

Wassily Kandinsky (Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Domenech (11 de mayo de 1904 - Figueres, Gerona - 23 de enero de 1989 - Púbol), más conocido como Salvador Dalí fue un pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español.

Nació el 11 de mayo de 1904, a las 08:45 a.m. en el número 20 de la calle Monturiol, en Figueras, España. Hijo de Salvador Dalí y Cusí, notario de la ciudad, natural de Cadaqués y Felipa Domenech Ferres.

Realizó sus primeros estudios en su ciudad natal y a la edad de catorce años participó en una exposición colectiva de artistas locales y otra en Barcelona auspiciada por la Universidad y en la que recibió el premio Rector de la Universidad.

En 1921 muere su madre de cáncer. Su padre se casó con su cuñada, la hermana de la difunta y Salvador va a estudiar a Madrid donde en 1922 ingresa en la Residencia de Estudiantes donde conocerá a otros grandes artistas de su época - Luis Buñuel, Federico García Lorca, con los que trabará una gran amistad mientras estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Entre los años 1924-1925 realiza numerosos retratos de su hermana Anna Maria y en general explora los estilos al uso en la época en diversas fases que son conocidas como ''freudiana'' y ''lorquiana'' para acabar siendo influenciado primero por el cubismo y más tarde por el surrealismo.

En 1926 realiza su primer viaje a París donde visita a Picasso.

Colabora con Luis Buñuel en la realización de la película "Un perro andaluz", estrenada en París en 1929. Ese mismo año visitan a Dalí en Cadaqués una serie de personajes del surrealismo, entre ellos el poeta Paul Eluard y su mujer Gala a la que seducirá el joven pintor para convertirla en su musa y compañera el resto de su vida.

Como pintor, Dalí no tuvo un único estilo o técnica; lo mejor de su producción se desarrolló dentro del surrealismo y sus cuadros, de un gran detalle y composiciones extravagantes y geniales, reflejan un mundo onírico particular.

En 1929 se sumergió en el surrealismo tras su colaboración con Luis Buñuel en "Un perro andaluz (película)" (Un chien andalou).

Consiguió revitalizar este movimiento ya en decadencia, gracias a sus novedosas invenciones basadas en ideas freudianas.

Se convierte en un punto de referencia del movimiento surrealista.

Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Bretón, "...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del Surrealismo..."; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración.

En 1936, Bretón expulsó a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Éluard.

En 1940, debido a la Guerra Mundial se va a vivir con Gala a los Estados Unidos donde permanecerá hasta 1948, una de las épocas mas fructíferas de su vida.

En 1974 inaugura el Teatro-Museo Dalí en su Figueras natal.

Después de la muerte de Gala en 1982, la salud de Dalí decae muchísimo y se traslada a vivir desde Cadaqués a su casa en Pubol.

El rey Juan Carlos I le concedió el título de Marqués de Pubol. Un incendio en su habitación en 1984 hace que se traslade a unas habitaciones en Torre Galatea, edificio anexo al Teatro-Museo donde permanecerá prácticamente recluido hasta su muerte el 23 de enero de 1989.

La mayor parte de su obra fue heredada por el Estado Español.

Joan Miró (Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, España, 1983) Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp. De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos.

Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior.

Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico (El carnaval del arlequín). La otra gran influencia de la época vendría de la mano de P. Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos.

En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho.

La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca, donde en 1956 construyó un estudio, en la localidad de Son Abrines.

Entretanto, Miró amplió el horizonte de su obra con los grabados de la serie Barcelona (1944) y, un año después, con sus primeros trabajos en cerámica, realizados en colaboración con Llorens Artigas. En las décadas de 1950 y 1960 realizó varios murales de gran tamaño para localizaciones tan diversas como la sede de la Unesco en París, la Universidad de Harvard o el aeropuerto de Barcelona; a partir de ese momento y hasta el final de su carrera alternaría la obra pública de gran tamaño (Dona i ocell, escultura), con el intimismo de sus bronces, collages y tapices. En 1975 se inauguró en Barcelona la Fundación Miró, cuyo edificio diseñó su gran amigo Josep Lluís Sert.

René Magritte (Lessines, Bélgica, 1898-Bruselas, 1967) Pintor belga. Durante un primer período la obra de Magritte estuvo fuertemente influida por la figura de De Chirico y por la atmósfera misteriosa de sus pinturas. Más tarde entró en contacto con la vanguardia parisina del momento, presidida por André Breton, y comenzó a desarrollar un surrealismo que iría evolucionando con los años hacia un estilo muy personal, cuyos símbolos giran con frecuencia alrededor de la relación entre el lenguaje y sus objetos. Así, sus referencias se van haciendo cada vez más intelectualizadas, hasta el punto de que muchas de sus obras deben leerse en relación con las tesis del estructuralismo. Son habituales en sus cuadros los juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones. Una de sus obras más representativas es Ceci n’est pas une pipe (Esto no es una pipa, 1928), cuyo entramado de remisiones entre texto e imágenes parece incapaz de hallar ningún objeto real. Otros cuadros famosos suyos son La llave de los campos (1936), Los compañeros del miedo (1942) y El hijo del hombre (1964).

Alfred Alexander Gockel (Artista Contemporáneo). Nació en Lüdinghausen, Alemania en 1952. Después de graduarse de la escuela, comenzó sus estudios en Polytechnic Academy in Münster in 1973. Su interés se centró en la tipografía, diseño gráfico y publicidad. Se graduó de la academia en 1977, en los años subsiguientes se dedicó a pintar libremente. En 1981 su trabajo del arte se desarrolló muy fuertemente, por lo que tuvo que suspender todas sus otras actividades y convertirse en un artista de tiempo completo. Este fue el comienzo de una larga y exitosa carrera. En 1983 él y su esposa Ingrid fundaron una compañía de arte publicitario; hoy en día ocupan un lugar importante en el mercado del arte con compradores en más de 50 países alrededor del mundo. Espontaneidad creativa y energía artística Alfred Gockel se siente ligado a una forma de arte cuya formación y estilo incluyen belleza y agrado. Su vivacidad y su forma de pintar, muestran espontaneidad creativa y energía artística. Aquello en lo que el observador repara inicialmente son los colores fuertes y vivos que dan mucha vida a las pinturas y que las transforman en una belleza visual. Sus trabajos explotan de vitalidad. Siendo a veces expresivos y coloristas o monocromos con un bello trazo, Alfred Gockel es amigo del juego virtuoso de los colores y la formas. El mismo artista ve su trabajo como "pintura rítmica" en el cual él se desenvuelve con maestría inconfundible a través del lenguaje de las formas. El exuberante impulso de su pintura cambia sus figuras y composiciones características en vibrantes expresiones, reflejando así, el movimiento del tema de sus pinturas. Los temas que le gustan son la danza y la música que se detectan en todo su trabajo.

Alfred Gockel se siente ligado a una forma de arte cuya formación y estilo incluyen belleza y agrado. Su vivacidad y su forma de pintar, muestran espontaneidad creativa y energía artística.

Aquello en lo que el observador repara inicialmente son los colores fuertes y vivos que dan mucha vida a las pinturas y que las transforman en una belleza visual. Sus trabajos explotan de vitalidad.

Siendo a veces expresivos y coloristas o monocromos con un bello trazo, Alfred Gockel es amigo del juego virtuoso de los colores y la formas. El mismo artista ve su trabajo como “pintura rítmica” en el cual él se desenvuelve con maestría inconfundible a través del lenguaje de las formas.

El exuberante impulso de su pintura cambia sus figuras y composiciones características en vibrantes expresiones, reflejando así, el movimiento del tema de sus pinturas. Los temas que le gustan son la danza y la música que se detectan en todo su trabajo.

Roberto Fantini (Artista Comtemporaneo). Nacido en Roma en 1960, hijo de Mauricio Fantini, uno de los “100 pintores de la Via Margutta”.

Aficionado desde pequeño por el mundo del arte, a los 14 años expuso sus primeras obras que realizó junto a su padre.

Concurrió durante 4 años al Liceo Artistico de Roma. Su carrera como artista lo llevó a recorrer toda Europa y durante 12 años explorar el mundo del arte en Paris y Londres, donde sus trabajos fueron mostrados en numerosas exhibiciones y galerias privadas.

Ha desarrollado y madurado profesionalmente a traves de sus frecuentes viajes por Asia, y fue fundamentalmente en sus viajes al Tibet donde se inspiró y embarcó en un descubrimiento personal y en un redescubrimiento de los orígenes de la humanidad y sus significaciones espirituales.

La familiaridad e identificación con los materiales, los colores, las atmósferas y los lugares más cercanos a los orígenes del hombre caracterizan su investigación dentro de los testimonios visuales hallados sobre pinturas en rocas y cuevas milenarias, de uno de los lugares mas tempranamente habitados de la tierra.

Andrew “Andy” Warhol (Pennsylvania , 6 de agosto de 1928 – Nueva York, 22 de febrero de 1987). Nació en Pittsburgh, Pennsylvania, en el seno de una familia de origen checo. Su padre, Ondrej, era montador y su madre, Julia, se dedicaba a la limpieza y hacía flores artificiales que vendía en el mercado. Andrew era el menor de tres hermanos y renegaba de la pobreza en la cual estaba inmerso.

Estudió, en el Carnegie Institute of Technology, la especialidad de pintura y escultura, y al terminar la carrera en 1949 se trasladó a Nueva York. En esta ciudad rápidamente comenzó a trabajar como ilustrador publicitario y diseñador gráfico. Estas labores las realizó en agencias de publicidad y en las revistas "Glamour", "Vogue", "Harper´s Bazar", "Tiffany & Co.". El cambio de apellido (de Warhola a Warhol) se debió a un error de la revista "Glamour", la cual publicó un dibujo suyo firmado Warhol; por lo que desde entonces decidió utilizar el nuevo apellido.

En estos primeros años también diseñó objetos y vidrieras para Tiffany´s y zapatos para la prestigiosa firma I. Miller. Con estos trabajos logró hacerse de una pequeña fortuna. Pero lo que él quería era pintar, sin embargo, no abandonó estos trabajos.

Warhol se interesó por los productos de consumo y apreció la importancia que alcanzaban los medios masivos de comunicación como una vía para extender el arte. Y esto es lo que logró Andy, renovar la cultura popular al conseguir que los elementos de consumo se convirtieran en arte, creando de esta manera el movimiento artístico Por Art.

Fue un artista multifacético -ilustrador, pintor, grafista, cineasta, fotógrafo-, que llegó a las masas con las innovaciones hechas a los objetos cotidianos creando así el arte Pop. Desde las serigrafías de la sopa Campbell, las botellas de Coca-Cola, envases de jabón, latas de conserva hasta las fotos de Elvis, Marilyn Monroe y Mao.

Fue pionero en el uso de fotografías de gran formato que servían como base para pinturas al óleo o a la tinta. Esta técnica le permitió producir una serie de imágenes repetitivas, con pequeñas variaciones; entre las más destacadas se encuentran la famosa lata de sopa Campbell, las fotos de Elvis, Marilyn Monroe y la de Mao, entre otras.

Gracias a su contacto con Fred Hughes, su agente desde 1967, Warhol se convirtió en el retratista de la alta sociedad. Pintó desde Nixon hasta la Reina de Inglaterra, reviviendo de esta manera la técnica del retrato y empleando vivos colores.

En la década de 1960 creó "Factory", un taller creativo donde concurrían artistas plásticos, actores, músicos y personas que, al igual que él, creían que el arte es lo que los espectadores consumen, imágenes en las que la firma del autor se convierte en marca registrada.

Warhol, además de los trabajos de pintor, ilustrador y diseñador, también hizo cine. Hizo un trabajo cinematográfico experimental, como: "The Chelsea Girls" (1966), semidocumental de siete horas. En 1963 rodó su primer largometraje con un plano secuencia de un hombre durmiendo, llamado "Sleep", de ocho horas de duración. Además realizó otras obras cinematográficas, como: "Blow Job", "Couch", "Mario Banana", "Harlot", "My Husler".

Roy Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de septiembre de 1997). Pintor estadounidense de Pop Art, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. (Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo.)

Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949.

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.

A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.

También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica.

En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.

Una de sus obras se expone en Kunsthalle Hamburgo Alemania. Shipboard Girl, 1965.

Romero Britto (Artista contemporaneo). Nacido en la costa Norte de Recife, Brasil en 1963.Creador de un estilo propio para pinturas en toda clase de superficie y esculturas de todo tipo.
A los ocho años ya dibujaba con todos los materiales que se le presentaran. Para los 14, tuvo su primer honor en una exhibición. Aun habiendo vendido todas sus obras y alentado por este éxito joven ,su fuerte disciplina por la educación y la modesta vida que llevaba , lo llevo por el lado d e lo académico, tras conseguir una beca , comenzó sus estudios de derecho ,pero al poco tiempo, aproximadamente dos años, se dio cuenta que no era lo suyo. El pesimismo era una constante en el mundo del derecho y los gobiernos. Vemos por su obra que el pesimismo no es lo que mas lo motivaba asi que decidio explorar su inclinación natural hacia el arte. Vendio su auto, sus pinturas y se fue a Europa a estudiar y a pintar. En fin, tras su vocación.
Viajo a Europa primero y luego a EEUU en 1987 consiguió sus contactos y representantes y se instalo allí para hacerlo su hogar y para abrir su propia galería de arte, en Miami ,Florida , lugar que lo recordaba a su Brasil natal por los paisajes y playas.
El estilo de Britto se ha hecho inconfundible por la celebración de la vida y emociones mediante brillantes diseños , colores vibrantes , y esa especie de melodía que nos imaginamos al ver su obra. Sin duda con una influencia de su Brasil natal ,colores fuertes, imágenes naturales y la intensidad de la cultura del carnaval mas colorido del mundo.Con lineas negras y gruesas de fondo y motivos satiricos. Combina elementos del cubismo ,pop art y graffiti.
El Pop Art es un movimiento que nace en los 50s ,que incorpora imágenes extraidas de la realidad y de la masividad del cine , televisión y publicidad.Todas combinadas con arte..
En su estilo individual de Pop Art , incorpora colores fuertes ,imágenes pop, variadas y elementos juguetones de las flores y animales. El uso de su firma en toda su obra ocupa un papel casi protagon ico ya que aparece en todo momento. Su obra es alentadora y alegre hacia la vida ,se ve en ella la repetición de muchos elementos que envian un mensaje de alegria y esperanza ,en los comienzos era un mensaje de felicidad y optimismo para lugar de origen ,un pueblo agricultor, empobrecido y sufriente.

Entre sus trabajos hay varias campañas para grandes empresas como Absolut Vodka, Pepsi Cola , Movado , IBM, Apple Computers ,Grand Marnier y Disney. La campaña de Absolut Vodka,1989 ,le dio a su carrera un importante viento a favor. Britto tambien hace campañas para entidades con fines de caridad ,asociaciones de derechos humanos ,hospitales y hasta para la ONU. Muchisimas donaciones de obras a fundaciones y hospitales alrededor del globo.
Dentro de los coleccionistas de Britto mas famosos encontramos al ex presidente George Bush(padre) , La Familia Real Sueca(de donde Absolut Vodka es originaria) , Withney Houston ,Michael Jordan y Arnold Shuarzenegger .
Ya presento sus obras en Tokio , Londres ,Estocolmo , Madrid e Italia y actualmente las presenta en mas de 140 galerias de Arte del mundo.